jueves, 26 de noviembre de 2015

EL CINE SOVIÉTICO


A la vieja Rusia de los zares llegó el cinematógrafo Lumière ya en 1896 para rodar la coronación de Nicolás II y después se presentó en el Palacio de Peterhoff en San Petersburgo en una fiesta presidida por la emperatriz.
En 1917 estalló la Revolución bolchevique y comenzó la primera experiencia socialista de la historia. El cine no fue ajeno a estas circunstancias. Lenin pensaba que “ De todas las artes , el cine es para nosotros la más importante”  lógicamente, teniendo en cuenta que en Rusia más del 70% de la población mayor de 9 anos era analfabeta.  Por el decreto de nacionalización de la industria cinematográfica, ésta pasó a depender del comisariado de Educación del Pueblo en 1919 y  en ese año se creaba en Moscú la Escuela Cinematográfica del Estado. El gobierno bolchevique fue el primero del mundo en reconocer la importancia del cine en la era de la cultura de masas.
A pesar de la escasez de medios materiales el cine echó a andar gracias a creadores como Kuleshov o Dziga Vértov. Vértov fue uno de los grandes del cine soviético, fundó el noticiario Kino-Pravda (Cine-verdad) donde aplicó sus teorías  del Cine-ojo, en el que pretendía la objetividad absoluta , prescindiendo de todo aquello que modificara la realidad: maquillaje, decorados, actores, iluminación…
La influencia de Vértov en la teoría y en la práctica del cine documental fue enorme.
Pero el más grande director de cine soviético fue Serguéi Mijailovich Eisenstein. Estudió en la Escuela de Ingeniería Civil de San Petersburgo y frecuentó la Escuela de Bellas Artes. Admirador de Da Vinci pero también de Freud y el psicoanálisis, durante la Revolución se decantó por el bando bolchevique. Comenzó con el teatro que terminó abandonando atraído por el realismo del cine y por la influencia de Griffith y Dziga Vértov.

La obra de Eisenstein es un compromiso y una síntesis entre el realismo documental y el simbolismo y expresionismo más barroco.



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En 1924 dirigió su primera película , La huelga, sobre una huelga de una fábrica metalúrgica aplastada implacablemente por los soldados zaristas. En 1925 dirigió su gran obra, El acorazado Potemkin. En ella cuenta la sublevación de la marinería del acorazado Príncipe Potemkim en la revolución de 1905. Rodó en escenarios naturales esta impresionante obra, estructurada a la manera de las tragedias clásicas en cinco actos:
1-      El mal estado de la carne, podrida, que provoca el descontento de la tripulación.
2-      Las represalias del comandante que son el detonante de la rebelión, que triunfa.
3-      Un marinero muerto en la lucha es llevado hasta el puerto de Odessa donde nace la solidaridad  de los ciudadanos de Odessa.
4-      Las fuerzas zaristas cargan sobre la población civil en las escaleras del Palacio de Invierno, causando una masacre.
5-      El barco se hace a la mar y encuentra la escuadra zarista pero los marineros de otros buques se unen a ellos y permiten que pasen, sin ejercer oposición y saludando con alegría.

La ejemplar sobriedad y simplicidad de esta gran odisea colectiva, encarnada en el pueblo, en claro contraste a la fría actuación de las tropas del zar, se articuló en 1.290 planos, combinados con genialidad mediante un montaje rítmico y muy  preciso. Los movimientos de cámara, en cambio, son muy escasos: dos travellings en la escena de las  escaleras y una panorámica oblicua para enfocar a la multitud en el malecón. No se necesitaban más movimientos ya que el movimiento viene determinado por la acción y el montaje. Eisenstein prolongó el tiempo artificialmente, hasta seis minutos, para potenciar la angustia y el dramatismo en la antológica escena de las escaleras. Esta escena es una de las más famosas y reconocidas de la historia del cine. Son 170 planos en los que retrata a un pueblo inocente e indefenso frente a la brutalidad de las tropas zaristas que con los fusiles cargan contra los ciudadanos. Los primeros y primerísmos planos humanizan la escena.
Eisenstein consiguió darle a este drama épico una grandeza que hace que no se ciña a un episodio histórico en concreto si no que sea un manifiesto contra la injusticia y la barbarie. Es una obra maestra de la historia do cine.
Después del éxito alcanzado con El Acorazado Potemkin realizó Octubre, 1927, sobre la revolución bolchevique. Pero la censura posterior eliminó casi un tercio del metraje en el que aparecía Trotsky. A pesar de esto, es una obra barroca, con mucha fuerza y cargada de simbolismos.
Todas estas películas son corales, donde las individualidades no tienen cabida.
Pudovkin fue otro de los grandes realizadores soviéticos, aunque su idea de montaje tiene más que ver con Griffith o Hitchcock, es decir, trabaja el montaje previamente en el guion. Einsenstein lo hacía para expresar, uniendo imágenes, sentimientos o ideas diferentes a los de las imágenes aisladas.
La vitalidad expresiva del cine soviético introdujo una auténtica revolución expresiva en la teoría y en la práctica cinematográfica mundial por el realismo y por las posibilidades creativas del montaje.

La escena de las escaleras de Odessa fue recreada y homenajeada en Los intocables de Elliot Nes , 1987 ,de Brian de Palma.








domingo, 22 de noviembre de 2015

EL EXPRESIONISMO ALEMÁN


Pero en Alemania no iban a ser los realizadores de comedias los que llevaran el cine a uno de sus momentos históricos más interesantes si no los cineastas Expresionistas de vanguardia. Alemania apenas había salido de una gran derrota y vivía estrangulada por las duras condiciones de los tratados de paz. En 1918 las fronteras se cerraron al cine extranjero lo que permitió estimular el nacional. la enorme inflación hizo que todas las películas alemanas fueran muy baratas para las productoras extranjeras. Además, y a pesar de la crisis, contaron con el apoyo del gobierno de la República de Weimar.
En este contexto es en el que se realizó uno de los hitos más importantes del cine universal El gabinete del Dr. Caligari, Alemania, 1919 de Robert Wiene.  Wiene, con su equipo y al contrario de la artificial luz de estudios americanos, decidió inundar el escenario de luz natural y después pintar las sombras. El efecto resultante es sorprendente, con una luz natural estilizada.
El argumento es el siguiente: un estudiante, Francis, conoce a Cesare, un sonámbulo que actúa en una feria y que por la noche asesina a los enemigos  de su amo, el demoníaco Dr. Caligari, abducido por éste. Mata también a un amigo de Francis  y mientras trata de abducir a una chica, Cesare muere y Francis ingresa en un sanatorio mental donde el director es el Dr. Caligari. Al final la película entera es uma pesadilla de Francis , tratando así sobre el tema de la locura. El  film fue de muy bajo presupuesto. Pero refleja el estado mental desquiciado del protagonista.
El gabinete del Dr Caligari tuvo un enorme éxito y contribuyó a que se levantara el veto al cine alemán. El trabajo de Wiene influyó en Fritz Lang, Murnau y también fuera de Alemania en Hitchcock. Caligari fue junto con Charlot , el primer mito universal creado por el cine.
El expresionismo alemán demostró su preferencia por los temas de fantasía y el terr, asesinos, vampiros, monstruos, locos , visionarios, tiranos y espectros.
Fue en Alemania donde también, Fritz Lang creó otro personaje estilo Dr. Caligari, el Dr. Mabuse, que se estrenó en 1921 y el protagonista también abduce a personas para que cometan crímenes y también acaba perdiendo la razón. Fue una crítica a la Alemania carente de moral y justicia de los años 20. Los sentimientos primitivos subyacen bajo  una decadente apariencia.
Metrópolis, (Alemania 1927) de Fritz Lang se convirtió en  la película más emblemática del cine mudo. Ambientada en el  año 2000 trata del enfrentamiento entre obreros, esclavos que habitan en parajes subterráneos, y un autoritario industrial, perteneciente a la raza de los señores que goza de una vida en la superficie. La ira de los trabajadores se ve sacudida por una misteriosa joven llamada María. Lang jugó con los tremendos escenarios de esta costosa superproducción, con espacios arquitectónicos , volúmenes, claroscuros  hasta conseguir que Metrópolis, a pesar de la ingenuidad del argumento, se convirtiera en el  apogeo del Expresionismo alemán.

El último autor alemán del que vamos a hablar  es  Wilhem  Murnau quien tras estudiar Historia del arte, música y literatura sorprendió dirigiendo un onírico film de vampiros, Nosferatu, el vampiro, 1922. Fue piloto en la guerra;  después de la guerra fundó una productora y comenzó a dirigir con una fina sensibilidad  cargada de subjetividad lírica.

Nosferatu es una adaptación del Drácula de Bram Stoker. En contraste con los interiores del resto del Expresionismo, rodó en exteriores con una marcada influencia del Romanticismo alemán. Realismo y fantasía bien mezclados le confieren un extraordinario verismo a la historia.

En 1927 ya asentado en Hollywood, Murnau dirigió una de las grandes obras del cine , Sunrise , 1927. En USA le dieron total libertad para rodar. La historia versa sobre un triángulo amoroso, con personajes maniqueos y final feliz, estilo Hollywood  pero la mezcla de simbolismo, expresionismo y realismo está tratada con enorme maestría y tiene alguna escena antológica.














EL IMPRESIONISMO FRANCÉS

EL IMPRESIONISMO FRANCÉS
El cine francés estuvo influído por la pintura Impresionista de Monet o Pissarro y por las obras de Baudelaire.  Estos años ya son los de la estética cubista en pintura, del Dada y en literatura de Marcel Proust y del Ulises de Joyce (1922). El psicoanálisis penetra em el  arte. Directores como Abel Gance intentaron plasmar la complejidad de la percepción del mundo real.
Fue el nacimiento de las vanguardias en la Historia del Cine.
La rueda, 1923, de Abel Gance, trata sobre un complejo triángulo amoroso  y en la que alguna escena es tratada de manera impresionista, pasando los fotogramas com una vertiginosa rapidez , en décimas de segundo.  Llegó a ser una de las películas más influyentes del cine mudo.

Gance dirigió una película sobre Napoleón: Napoleón, de 1927 en la que plasmó en escenas de batallas y las cargas de las tropas el dinamismo del personaje, utilizando encuadres subjetivos . También muy novedosa fue la utilización de 3 cámaras para proyectar  y poder tener una visión panorámica de lo que ocurría. Apocalypse Now tiene una clara influencia de Gance.


EL NATURALISMO ESCANDINAVO

En Suecia el nacimiento de la producción cinematográfica está relacionado con la creación de la productora Svenska.  El potencial poético del primitivo cine sueco está relacionado con su tradición literaria ya que casi todas las obras importantes están inspiradas en novelas.  Pero los suecos, también influidos por el western primitivo, descubrieron la importancia psicológica del paisaje, un personaje más de la acción. Las películas utilizan luces naturales y espacios exteriores y tratan de leyendas o dramas personales pero donde las fuerzas de la naturaleza exteriorizan ese drama.
Sjöstrom fue el gran maestro del cine sueco. Con La Carrera Fantasma, 1921 el director interpreta al protagonista, un borracho que no cree en la leyenda de que el carro con la Muerte vendrá a buscar su alma al cementerio. Sjöstrom utiliza la sobreimpresión y así vemos como el alma sale del cuerpo del ya difunto, y después realiza una serie de flashbacks de gran virtuosismo técnico. La culpa y la redención son las ideas fundamentales de su obra.
Mauritz Stiller, discípulo de Sjöstrom, fue otro gran director sueco de la época y el que descubrió a Greta Garbo.

Durante la segunda década del siglo XX destacó en el cine danés Carl Theodor Dreyer, del que ya habíamos hablado en el tema 1. En la década de los años 20 emigró a París, que junto con Berlín se convirtieron en las Mecas de las Vanguardias. Allí decidió dirigir un film histórico, una biografía sobre Juana de Arco titulada La pasión de Juana de Arco, de 1927-28. Es un austero drama psicológico, estructurado con escrupuloso respeto a los estudios históricos. Una excelente fotografía permitió prescindir del maquillaje de la actriz Marie Falconetti que incluso cortó el cabello. El realismo el muy acentuado, los decorados simples y el uso de los primeros planos permite ganar intensidad emocional. El uso magistral de los primeros planos hizo de ella una película de conmovedora belleza plástica y convirtieron a Dreyer en uno de los místicos del cine.



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EL RECHAZO AL CINE CLÁSICO DE HOLLYWOOD



El sistema hollywoodiense comenzó a ser rechazado por Henry Miller y muchas estrellas y escritores se sentían degradados por el trato recibido.
Al tempo que el lenguaje lineal y claro del realismo romántico o clasicismo se consolidaba, comenzaron a aparecer por todo el mundo directores críticos con esta visión edulcorada del mundo. Estos directores no son los más famosos ni influyentes pero buscaron alternativas a los convencionalismos imperantes .
Podemos agrupar estos directores en los siguientes grupos:
-       */Naturalistas escandinavos, que creen que el cine debe reflejar problemas sociales.
      * Aquellos americanos que huyen del sistema rígido de los grandes estudios.
-             *     Impresionistas franceses,que contemplan como la realidad es cambiante.
-          *    Expresionistas alemanes, que deciden investigar el interior oculto del alma humana.
-   *Soviéticos, para los que el cine americano resulta muy conservador políticamente y decidieron apostar por un montaje arriesgado y transmitir ideas revolucionarias.

 EL HOLLYWOOD PERIFÉRICO AL STAR SYSTEM
En el  último grupo, americanos que deciden salir del sistema del Star System y de las películas hechas en serie, encontramos casos muy interesantes por sus aportaciones.
Louis Weber fue una de las realizadoras más importantes  del mundo. Sus temas iban más allá del realismo romántico y criticó los prejuicios religiosos y arremetió contra la pena de muerte. Seu cine fue escasamente reconocido.
Otro director muy interesante fue Robert Flaherty que dirigió un documental llamado Nanook of the North en 1921, el más largo de su género, donde plasma la vida de un cazador inuit y o su hijo y las costumbres esquimales. El protagonista no es un actor. La película es un canto de la lucha del hombre contra la naturaleza. Fue un gran éxito y la muerte por inanición de Nanook dus años después causó una enorme conmoción en el público.
En 1923-25 Erich Von Stroheim , un actor austríaco que interpretaba papeles de oficial prusiano desde que llegara de su país en 1909, dirigió Avaricia ( Greed). Su deseo era alcanzar un naturalismo tal que la gente creyera que estaba contemplando la vida misma. Sus films mostraban gran interés por el detalle y por la decadencia moral de las clases adineradas. Avaricia, basada en una novela, costó 1,5 millones de dólares y nueve meses de rodaje. Al principio duraba 10 horas pero los estudios recortaron hasta las cuatro: la mujer de un dentista de San Francisco gana la lotería y a medida que se hace más avariciosa, su marido, sin un céntimo, se refugia en la bebida. En un momento dado decide asesinarla en un infame clímax en el Valle de la Muerte , mata también a su rival, amante de la mujer pero queda unido al cadáver por unas esposas. Avaricia fue comparada con la literatura rusa del siglo XIX con la que comparte el deseo de sacar la verdadera naturaleza del ser humano.
En 1950 Von Stroheim interpretó en el Crepúsculo de los dioses” de Billy Wilder al antiguo director de una estrella en decadencia.
Tres años después de rodar Avaricia, la Metro Goldwyn Mayer produjo una película que ofrecía un retrato de la realidad americana The Crowd , 1928, de King Vidor que narra la historia de un oficinista de Nueva York al que  le muere una hija y no puede asumir la tragedia cayendo en una honda depresión. Es el desencanto del sueño americano.
Las películas de Vidor son únicas en muchos sentidos, no hay personajes malos y los  guiones los escribían mujeres.
En The Crowd rueda en las calles de Nueva York y consigue que la cámara entre por la ventana de una enorme sala de oficinas con mesas de escritorio como más tarde hizo Billy Wilder en The Apartment.
La ciudad, con su dinamismo, va a ser el tema principal de muchos realizadores europeos.

En 1921 llega a EEUU invitado por Mary Pickford , un joven director alemán : Ernst Lubitsh , famoso por su retranca y los movimientos de cámara audaces. En Hollywood siguió siendo subversivo; sus películas se ambientan en salones de casas de clase media acomodada, selectos clubs y magníficos salones de baile donde desplegaba triángulos amorosos. Las películas de Lubitsh tratan de los placeres de la vida en un contraste muy fuerte con la mentalidad austera y victoriana imperante en Hollywood. Uno de los recursos cinematográficos muy utilizados por Lubitsh eran las omisiones u ocultamientos donde imaginamos lo que pasa tras una puerta, debajo de una mesa etc. Destacan la antisoviética Ninochtka en la que contó con la interpretación de Greta Garbo, (1939) y la antinazi Ser o no ser (1942).




The Crowd


NINOTCHKA, 1939



TO BE OR NOT TO BE, 1942

domingo, 15 de noviembre de 2015

LA ÉPOCA DORADA DE HOLLYWOOD: EL CINE CÓMICO

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Las comedias de Hollywood 1918-1928
La libertad y los conocimientos técnicos de la industria de Hollywood para explorar la relación entre el cine y la comicidad no son comparables con las de ningún otro país del mundo.
El actor de vodevil inglés convertido en payaso Charles Chaplin, que había vivido una infancia pobre, llegó a los Estados Unidos en 1910, con 21 años de edad. Chaplin revolucionó el cine cómico tanto como Griffith el dramático, confiriéndole humanidad y sutileza narrativa. Se valió del sistema de estudios cinematográficos para hacer lo que quería con un margen de acción mucho mayor que cualquier otro director y escribió, produjo e interpretó sus películas, además de hacer la música.
Creó un personaje de vagabundo que creía ser un caballero y pretendía comportarse como tal. Esta ambigüedad le permitió explorar con gracia y ritmo la melancolía de su infancia. El vagabundo era mucho más sofisticado de lo que parecía  en un principio.
Chaplin comenzó actuando en la compañía del director, actor y productor Mack Sennet que lo dio a conocer en 1912. Pero dos años más tarde Chaplin, convertido ya en una estrella, decidió crear junto a Douglas Fairbanks, D.W.Griffith y Mary Pickford la United Artists, compañía basada en las producciones de calidad y en la libertad de creación  de los artistas.
Chaplin realizó su primer largometraje , The Kid, en 1921. Y, a pesar de la comicidad, es un trabajo cargado de profundas emociones con una interpretación conmovedora del niño  Jackie Coogan, que interpreta a un huérfano, como había sido Chaplin, que se dedica a romper cristales para que su padre adoptivo, Charlot , pueda arreglarlos.
Otras películas como The Gold Rush (1925), Modern Times (1935) y The Great Dictator (1949) convirtieron a Chaplin en uno de los cineastas más influyentes de los primeros cuarenta años de la historia do Cine.
George Bernard Shaw dijo de él que era el único genio de la gran pantalla.
Su crítica social hizo que fuera muy admirado en la URSS y esto le valió, a su vuelta de Reino Unido después de estrenar Candilejas en 1952, ser muy mal recibido en los Estados Unidos y tener que marchar a vivir sus últimos años en Suiza.
The Gold Rush 1925 Chaplin comiendo una bota como si fuera un manjar

Modern Times, 1935, una alegoría contra la deshumanización del mundo industrial
Su huella fue tal que muchos cómicos imitaron su creación de personajes con “uniforme” estilo Charlot: Jacques Tati en Francia, Totò en Italia o Giulietta Masina.
 Su influencia fue enorme también en otro cómico y cineasta americano: Harold Lloyd , que creó un personaje atlético, estirado y soñador, agresivo y lírico a la vez. Las películas de Lloyd tuvieron aún más éxito que las de Chaplin.

El tercer cómico de esta época fue Buster Keaton. Con una técnica más revolucionaria y experimental interpretaba a un hombre serio, de rostro imperturbable que nunca esbozaba una sonrisa.
En 1917 conoció al cómico Fatty Arbuckle que lo convenció para que comenzara en el cine y así en 1920 dirigió One Week y en 1921 El gran Espectáculo.
Arbukle fue acusado de un crimen y violación de lo que después fue absuelto pero el escándalo fue tal que acabó con su carrera. Este escándalo unido a otros hizo que se aprobara de la  mano del general Hays un código, el código Hays , que prohibía escenas violentas o de contenido sexual en el cine americano y que estuvo vigente hasta los 50.

El maquinista de la General, The General,  1926 de Keaton fue  su gran éxito, donde rodó una escena en la que un puente volaba por los aires tras explotar cuando pasaba el tren. Keaton fue despedido por la MGM y buscó refugio  en la bebida. En 1965 se le dedicó  un homenaje en el Festival de Venecia y murió al año siguiente.