lunes, 13 de noviembre de 2017

NOSFERATU : COMENTARIO

Nosferatu, eine Symphonie des grauens W.F.Murnau 1922

Ficha técnica
País: Alemania
Duración: 94 minutos
Fotografía: Günther Krampf, Fritz Wagner
Música versión restaurada: James Bernard
Intérpretes- Max Schrek, Alexander Granach, Greta Schröeder


Contexto histórico
La película fue rodada en la Alemania de la película de Weimar, tras la derrota del país en la I Guerra Mundial. En este momento , las duras sanciones económicas impuestas por los tratados de paz y las condiciones de vida no impidieron que en el arte se desarrollara un momento de esplendor. Especial apogeo vivió la arquitectura con la Escuela de La Bauhaus , que estableció las bases de la arquitectura contemporánea. En las artes plásticas y escénicas se desarrolla la vanguardia conocida como Expresionismo, movimiento genuinamente nórdico y alemán, que brilló sobre todo en la pintura y en el cine. Sus raíces ya se asientan en el Gótico alemán, en un sentimiento trágico de la vida, inherente al espíritu nórdic, e incluso en la pintura de Goya. El Expresionismo se inspira en lo grotesco, lo sobrenatural, en lo anormal y está cargado de un enorme pesimismo vital. Deforma la realidad para transmitirnos todos estos sentimientos y sensaciones y para ello utiliza espacios a su vez distorsionados, sofocantes, con ángulos extraños y efectos contrastados de luces y sombras , que sirven de escenario a personajes atormentados. Coinciden en aquella Alemania un número importante de directores de enorme talento como Robert Wiene, Murnau o Fritz Lang.
COMENTARIO

Murnau se inspira en la novela de Bram Stoker, Drácula. Para evitar problemas con los derechos de autor le cambió el nombre a los personajes y Drácula pasó a llamarse Conde Orlok.
La película tuvo un enorme éxito y todas las posteriores adaptaciones cinematográficas de la novela la tuvieron como un referente. Pero lo que marca la diferencia con las posteriores es la imponente presencia de su protagonista, Max Schrek cuyo nombre significa casualmente “miedo”. Apenas va maquillado, orejas puntiagudas, delgadez extrema, nariz y rostro afilados, dientes que recuerdan los de una rata , no por casualidad, calvo, con brazos pegados al cuerpo, manos exageradamente deformadas y una avidez desmesurada por la sangre, componen este magnífico retrato del personaje que aterroriza a Hutter. Este joven se desplaza al castillo solitario de Orlok , en medio de los Cárpatos, un lugar aislado y lleno de leyendas, a realizar unos negocios con el conde. Desde el primer momento la atmósfera parece irse cargando. Hutter se burla de las leyendas y supersticiones locales pero poco a poco el terror va apoderándose del joven. Los lugareños parecen estremecerse con la sola mención de Orlok, un carruaje sin conductor lo transporta al castillo.
Una vez en el castillo, Hutter se siente cada vez más intimidado por la apariencia del Orlok, sus extraños horarios nocturnos, su avidez por la sangre y su naciente obsesión por la prometida de Hutter, Hellen. La historia toma una deriva escalofriante: Hutter , sin poder explicar sus misteriosas picaduras, encuentra el ataúd con el conde, sufre pesadillas espeluznantes y es encerrado en la torre. Desesperad, decide huir sin saber que Orlok le tomará la delantera por barco e irá a la búsqueda de Hellen. Orlok, en su siniestro buque repleto de ratas, como si fueran sus huestes, ha ido dejando tras de sí un reguero de muertes.Mientras, la joven parece intuir el terror que se avecina, acabará convertida en una heroína que consigue destruir al conde atrayéndolo a la luz.

Murnau creó imágenes de una poderosa emoción: Orlok subiendo por la escalera proyectando su temible sombra, levantándose del ataúd, atrapado por un rayo de sol, el barco navegando solitario como un gigantesco féretro… El uso expresivo de las luces contribuyó sobremanera a estas emociones. El cine expresionista alemán es el primero en utilizar filtros de color Murnau lo hace con un significado: sepia para el día, azul para la noches…negativiza el cielo y blanquea el paisaje.
Murnau dio a luz unos mitos sobre vampirismo que perduran hasta hoy en día. Numerosas adaptaciones cinematográficas se han hecho  desde entonces  de Drácula.pero ninguna ha dejado tan poderosa huella en nuestra retina.



sábado, 11 de noviembre de 2017

EL CINE CLÁSICO DE AVENTURAS

Fue la puerta a la evasión de los problemas cotidianos de los años 30. Hay diferentes tipos:
-       El capítulo de mundos exóticos, al que pertenecen las películas de Tarzán y las películas de ambiente colonial, cargadas de connotaciones racistas: Tres lanceros bengalíes, 1934 de Henry Hathaway, La carga de la brigada ligera, de Michael Curtiz, 1936 The Real Glory, 1939 de Hathaway o North West Mounted Police, 1940 de Cecil B.DeMille.

-       El cine de hazañas de aviadores del que Howard Hawks hizo varias películas como ex piloto que era.


-       Dramas marinos como El capitán Blood, 1935 con Olivia de Havilland e Errol Flynn o la inolvidable Mutiny on the Bounty, 1935, (Rebelión a bordo)de Frank Lloyd que está inspirada en la historia de la tripulación al cargo del capitán Bligh, que iba a buscar el árbol del pan a Tahití y que se sublevó contra el capitán (Charles Laughton) con la ayuda del primer oficial (Clark Gable).


martes, 26 de septiembre de 2017

LA EXPANSIÓN INTERNACIONAL DEL ESTILO 1918-1928 : HOLLYWOOD


En 1918 el cine era aún muy joven para comprometerse con acontecimientos históricos como la Primera Guerra Mundial o la Revolución Rusa. El conservadurismo imperante en Wall Street fue en detrimento del cine, impidiendo que los cineastas más ambiciosos trataran esos temas.
Tras la caída de la Bolsa en 1929 el panorama cultural cambió radicalmente.
Pero en  esta década previa al crack el cine se  convirtió en la forma de ocio más popular en un medio para indagar en los recovecos  del  alma humana.
Entre 1918 y 1928 los cineastas aplicaron las técnicas en diversos temas. Una vez que se dieron cuenta de las posibilidades del nuevo medio llevaron la creatividad hasta límites insospechados.
LOS ESTADOS UNIDOS: INICIOS DE LA ÉPOCA DORADA DE HOLLYWOOD
En 1917 una orden judicial disolvió la antigua Motion Picture Patents Company de Edison y sus viejos rivales aprovecharon para crear los grandes imperios cinematográficos del cine: Paramount Pictures, Warner Bros, el primer estudio que invirtió en tecnología que llevaría al cine sonoro, en 1924 nació la Metro Goldwing Mayer que presumía de tener más estrellas que en el firmamento.  Suyos fueron los éxitos de Greed 1924 (Avaricia) y El mundo marcha ,1928 ( The crowd ) , El mago de Oz etc.
Las películas hechas en esta época dorada van a ser productos industriales. Seguían unas premisas y se realizaban de manera estandarizada, con atención a los detalles y al mantenimiento del Star System. Las grandes estrellas firmaban contratos millonarios con las productoras que les exigían a veces condiciones muy estrictas no sólo profesionales si no respecto a su vida privada.
El Realismo Romántico o Cine Clásico
El Clasicismo en el arte consiste en el equilibrio entre forma y contenido, un orden en el que lo emotivo y lo intelectual están en armonía. En el cine de Hollywood de los años 20 y 30 casi nunca encontramos este equilibrio por lo que pueden considerarse más románticas que clásicas, debido a su fuerte impronta emocional. Por este motivo Mark Cousins le llama a este estilo, el realismo romántico.
El cine es realista por los temas escogidos y clásico en cuanto a la claridad de los significados, ya que evita dobles sentidos e ambigüedades. 
El cine americano de la época llegó a las pantallas de todo el mundo por su genialidad y lo depurado de su técnica y por la utopía de los contenidos.

Pero el sistema de producción controlado de Hollywood fue lo suficientemente flexible para permitir la creación de obras de arte, al margen de las premisas de la industria, de directores como John Ford, Vincent Minnelli, Buster Keaton…