jueves, 5 de abril de 2018

ALFRED HITCHCOCK ENTRE 1945-1952

Sospecha
Coincidiendo con el comienzo de la guerra, Alfred Hitchcock se establece en los Estados Unidos. Mostró un enorme interés por mostrar la relación entre la persona que observa y la que es observada, en el poder erótico de los objetos y en los engaños del mundo visible. Dirige magníficos films como Rebecca,1940, Sospecha /Suspicion( 1941), La sombra de una duda /The Shadow of a Doubt, 1943), Recuerda  /Spellbound( 1945). En todas ellas los objetos cotidianos se convierten en elementos inquietantes.  
Recuerda
Con el mismo interés de penetración psicológica que antes de la guerra ,comenzó también a explorar los límites del lenguaje cinematográfico en La soga /Rope( 1948): alarga la duración de los planos hasta lo técnicamente posible, es decir, hasta que se terminaba el rollo de película. Es una película rodada en 11 planos cuando lo normal en aquella época eran 600 a 800. Hitchcock descubrió que los planos largos absorben al espectador y acentúan el efecto de suspense que tanto le gustaba, contribuyendo a crear más tensión.
De Cine negro pueden considerarse, además de La soga, obras suyas como Atormentada/Under Capricorn(1949) o Extraños en un  tren(1951).
Más tarde , en los 50 , volveremos encontrar al gran maestro  británico.

EL CINE NEGRO




Entre 1941 y 1959 se rodaron más de 350 películas de este género, lo que supone un punto de inflexión en la Historia del Cine. El recurso de la profundidad de campo va a ser utilizado por este género.
El pesimismo de la sociedad americana contribuyó al surgimiento y auge del cine negro junto con el aumento de la criminalidad y de la corrupción tanto pública como privada. Además, fue el género de moda en la literatura, popularizado por escritores como Raymond Chandler o Dashiel Hammet. 
Al estar reprimido el cine más crítico, los realizadores americanos más conscientes se refugiaron en este cine, que retrata una sociedad pesimista, llena de personajes sórdidos, cegados por la ambición, que traspasan los límites morales. Son delincuentes influidos por las circunstancias, que actúan así, no por ser  seres llenos de maldad si no porque se ven abocados a ello. Vemos seres humanizados y de gran ambigüedad moral. Los hombres aparecen muchas veces como seres débiles y torturados y las mujeres   son las que manipulan y los llevan camino a la perdición.
Estas películas saquearon los recursos cinematográficos de Welles, desde los ángulos de cámara insólitos, la iluminación, el flash back y por supuesto la profundidad de campo.
La primera película del género fue El halcón Maltés de John Huston,1941 interpretada por Humphrey Bogart , que se convierte en el actor por excelencia de este género, en el bad-good-boy, que repite en Cayo Largo, también dirigida por Huston en 1948.
La película de más éxito del cine negro fue Gilda,dirigida por Charles Vidor en 1946, éxito radicado en gran parte en la sensualidad de su protagonista, Rita Hayworth.
Una de las películas más influyentes, junto a El sueño eterno, de Howard Hawks, fue Perdición, de Billy Wilder, que denota influencia del cine de gángsters. Aquí colaboró con el novelista Raymond Chandler. Retrata a un antaño trabajador honrado en su caída al abismo, con cierto tono irónico, siempre presente en Billy Wilder. Sus películas de cine negro, como prácticamente todas las del género, denotan una importante influencia del Expresionismo alemán, sobre todo en la iluminación pero también en la construcción de personajes trastornados, con importancia del mundo subconsciente o de las pesadillas
El personaje más famoso de la novela negra, el detective Marlowe, fue llevado a la gran pantalla por Howard Hawks e interpretado por Bogart en 1946 en El sueño eterno.
Hubo innumerables películas de este género de enorme calidad: La jungla de asfalto, de John Huston, Los sobornados de Fritz Lang, Laura, de Otto Preminger, Gilda ,1946, de Charles Vidor, y las ya mecionadas de Hitchcock que también toca el género adentrándose en las teorías del psicoanálisis.
Orson Welles también hizo una incursión en el cine negro durante la década del los 40, fue  La dama de Shanghai, , 1947, en donde pulveriza el mito erótico de Rita Hayworth.

Hay que añadir también entre lo mejor del género Laura, de Otto Preminger, de 1944

domingo, 4 de febrero de 2018

LA GENERACIÓN PERDIDA


Pero aparece una nueva generación de directores noveles llamada la generación perdida: John Huston, Elia Kazan ,Billy Wilder , Joseph Losey, Fred Zinnemann, Edward Dmytryk. Sus películas abordan temas de corrupción pública y privada que en aquellos momentos corroían al país.
Edward Dmytrick, canadiense de origen ucraniano, alcanzó  su mejor éxito con Encrucijada de odios (Crossfire, 1947) donde denunció su odio antisemita latente en Estados Unidos. También abordó el tema de los mutilados de guerra.
El antisemitismo estaba muy arraigado en la sociedad americana , igual que el racismo hacia la población negra. Entre 1945 y 50 hubo 13 linchamientos de negros. El conflicto racial se denunció en No Way Out (1959) de Joseph Mankiewizc.
John Huston, autor teatral, periodista, autor dramático, guionista y realizador de documentales durante la guerra, debuta como director en el Halcón maltés, primera obra del cine negro americano junto con Perdición de Billy Wilder. Al cine negro le dedicaremos capítulo aparte. Huston vuelve a él en Jungla de asfalto, donde retrata a unos personajes humanizados a pesar de su maldad.
En El Tesoro de Sierra Madre gira la idea principal sobre el esfuerzo y el fracaso de los buscadores de oro. En Moulin Rouge, 1953, retrata la desoladora vida de Henri Toulouse-Lautrec .En esta cinta hace un excelente empleo del technicolor, como ya había hecho un año antes en La reina de África, quizás  la única película optimista de Huston, con Humphrey Bogart y Katherine Hepburn.

Su versión de Moby Dick (1956) adquirió la dimensión de un reto a la naturaleza, encarnado en la ballena.
Pero este cine crítico fue decapitado por el  Comité de Actividades Antiamericanas. Porque ni los pleitos de las productoras , ni la televisión, ni la corrupción llegaron a enrarecer tanto el ambiente del cine como la actividad del comité que al cargo do senador McCarthy alentó la histeria colectiva contra los movimientos comunistas que favoreció las delaciones  y afectó a los más prestigiosos intelectuales y a numerosa gente del cine. También fue el clima idóneo para rodar películas de propaganda anticomunista como Telón de acero (1948) de William Wellmann. El Comité fue una auténtica inquisición. Contra esta situación se alzaron muchas voces, entre elals, Thomas Mann, John Huston o William Wyler pero fueron silenciadas y aquellos que se negaron a declarar fueron duramente condenados
Elia Kazan era un inmigrante turco que llegara a los Estados Unidos con apenas cuatro años y vivió toda la crudeza de la crisis del 29. Cuando llega al cine ya era un prestigioso director teatral. Fue fundador del  Actor´s Studio (1947) y su director, junto con Lee Strasberg, escuela dramática de la que salieron prestigiosísimos actores como Marlon Brando, Paul Newman , James Dean, Montgomery Clift, Karl Malden , Shelley Winters… que aplicaban las teorías interpretativas del método Stanislavski.
Marlon Brando fue su primera revelación en Un tranvía llamado deseo   (A Streetcar Named Desire, 1951), basada en una obra teatral de Tenessee Williams en la que  su interpretación llevada al límite y su magnetismo animal lo convirtieron en una estrella. Vuelven a  colaborar en Viva Zapata! 1952, donde Kazan, que acababa de ser depurado por el Comité de Actividades Antiamericanas, expone con maestría formal episodios de la Revolución mexicana añadiendo una reflexión sobre la inutilidad de la revolución. En La ley del Silencio (On the Waterfront, 1954) hace también un alegato contra los sindicatos, tesis con las que intenta justificar su actuación en el Comité , al que delató a ochos compañeros, actitud que pesó sobre  su carrera.
El austríaco Fred Zinnemann hizo una trilogía sobre la guerra y  su balance pero  su mayor éxito fue un western : Sólo ante el peligro (High Noon, 1952). que es la plena madurez del western psicológico nacido con Stagecoach.Cuenta el conflicto moral de un sheriff que se debate entre el cumplimiento del deber y o su instinto de supervivencia, una parábola sobre el macarthismo que mantiene a una sociedad paralizada por el miedo que deja al margen el sentido de la moral. El prestigio de Zinnemann alcanzó el zénit con De aquí a la eternidad ( From Here To Eternity, 1953).
Billy Wilder era un judío austríaco que huyó de los nazis en 1933.Llegó a ser uno de los más aclamados directores y junto con John Huston, el iniciador del cine negro. En 1950 dirigió El crepúsculo de los dioses (Sunset Boulevard) desolador retrato del mundo del cine y de sus  viejas glorias. De hecho recupera a Erich von Stroheim y a Gloria Swanson para el film. En la banda sonora incluye el comentario en off de la voz de un cadáver. En The Big Carnival, 1951, explota sobre los desmanes de   la prensa sensacionalista, a través de la inhumana explotación de un trágico accidente.
Wilder realizó una de las obras maestras del Cine Negro, Perdición, en 1946.

Con este clima no es de extrañar que hubiera un éxodo hacia  Europa como pasó con Chaplin , Orson Welles o Joseph Losey.

lunes, 13 de noviembre de 2017

NOSFERATU : COMENTARIO

Nosferatu, eine Symphonie des grauens W.F.Murnau 1922

Ficha técnica
País: Alemania
Duración: 94 minutos
Fotografía: Günther Krampf, Fritz Wagner
Música versión restaurada: James Bernard
Intérpretes- Max Schrek, Alexander Granach, Greta Schröeder


Contexto histórico
La película fue rodada en la Alemania de la película de Weimar, tras la derrota del país en la I Guerra Mundial. En este momento , las duras sanciones económicas impuestas por los tratados de paz y las condiciones de vida no impidieron que en el arte se desarrollara un momento de esplendor. Especial apogeo vivió la arquitectura con la Escuela de La Bauhaus , que estableció las bases de la arquitectura contemporánea. En las artes plásticas y escénicas se desarrolla la vanguardia conocida como Expresionismo, movimiento genuinamente nórdico y alemán, que brilló sobre todo en la pintura y en el cine. Sus raíces ya se asientan en el Gótico alemán, en un sentimiento trágico de la vida, inherente al espíritu nórdic, e incluso en la pintura de Goya. El Expresionismo se inspira en lo grotesco, lo sobrenatural, en lo anormal y está cargado de un enorme pesimismo vital. Deforma la realidad para transmitirnos todos estos sentimientos y sensaciones y para ello utiliza espacios a su vez distorsionados, sofocantes, con ángulos extraños y efectos contrastados de luces y sombras , que sirven de escenario a personajes atormentados. Coinciden en aquella Alemania un número importante de directores de enorme talento como Robert Wiene, Murnau o Fritz Lang.
COMENTARIO

Murnau se inspira en la novela de Bram Stoker, Drácula. Para evitar problemas con los derechos de autor le cambió el nombre a los personajes y Drácula pasó a llamarse Conde Orlok.
La película tuvo un enorme éxito y todas las posteriores adaptaciones cinematográficas de la novela la tuvieron como un referente. Pero lo que marca la diferencia con las posteriores es la imponente presencia de su protagonista, Max Schrek cuyo nombre significa casualmente “miedo”. Apenas va maquillado, orejas puntiagudas, delgadez extrema, nariz y rostro afilados, dientes que recuerdan los de una rata , no por casualidad, calvo, con brazos pegados al cuerpo, manos exageradamente deformadas y una avidez desmesurada por la sangre, componen este magnífico retrato del personaje que aterroriza a Hutter. Este joven se desplaza al castillo solitario de Orlok , en medio de los Cárpatos, un lugar aislado y lleno de leyendas, a realizar unos negocios con el conde. Desde el primer momento la atmósfera parece irse cargando. Hutter se burla de las leyendas y supersticiones locales pero poco a poco el terror va apoderándose del joven. Los lugareños parecen estremecerse con la sola mención de Orlok, un carruaje sin conductor lo transporta al castillo.
Una vez en el castillo, Hutter se siente cada vez más intimidado por la apariencia del Orlok, sus extraños horarios nocturnos, su avidez por la sangre y su naciente obsesión por la prometida de Hutter, Hellen. La historia toma una deriva escalofriante: Hutter , sin poder explicar sus misteriosas picaduras, encuentra el ataúd con el conde, sufre pesadillas espeluznantes y es encerrado en la torre. Desesperad, decide huir sin saber que Orlok le tomará la delantera por barco e irá a la búsqueda de Hellen. Orlok, en su siniestro buque repleto de ratas, como si fueran sus huestes, ha ido dejando tras de sí un reguero de muertes.Mientras, la joven parece intuir el terror que se avecina, acabará convertida en una heroína que consigue destruir al conde atrayéndolo a la luz.

Murnau creó imágenes de una poderosa emoción: Orlok subiendo por la escalera proyectando su temible sombra, levantándose del ataúd, atrapado por un rayo de sol, el barco navegando solitario como un gigantesco féretro… El uso expresivo de las luces contribuyó sobremanera a estas emociones. El cine expresionista alemán es el primero en utilizar filtros de color Murnau lo hace con un significado: sepia para el día, azul para la noches…negativiza el cielo y blanquea el paisaje.
Murnau dio a luz unos mitos sobre vampirismo que perduran hasta hoy en día. Numerosas adaptaciones cinematográficas se han hecho  desde entonces  de Drácula.pero ninguna ha dejado tan poderosa huella en nuestra retina.