ALFRED HITCHCOCK : ETAPA BRITÁNICA Y LOS AÑOS 40 EN HOLLYWOOD

Hitchcock

Después de su   glorioso despuntar, el cine británico quedó postrado en una tremenda crisis hasta que en los años 30 recibe un fuerte apoyo estatal. Ayudado por la intervención de cineastas americanos, alemanes o franceses, la industria inglesa comenzó a destacar de nuevo. De todos los realizadores ingleses fue Alfred Hitchcock el más destacado. En la patria de Conan Doyle fue el que mejor siguió la rica tradición de narrativa policíaca aunque poniéndole ironía jesuítica. Hizo la primera película sonora inglesa, Blackmail, 1929. Es el primero , al mismo tiempo que Buñuel, en usar una voz en off como monólogo interior de un personaje.

En esta etapa inglesa dirigió El hombre que sabía demasiado , 1934, 39 escalones, Alarma en el expreso, 1938.

Alfred Hitchcok, de formación católica, lo que va a ser una impronta en su carácter,se apartó de caminos trillados y huyó de los ambientes insólitos o truculentos tan habituales em las intrigas y sitúa  sus tramas en ambientes cotidianos y domésticos donde gentes normales y prosaicas  se ven de pronto sacudidas por lo extraordionario. La ironía también será una constante en sus obras que además hace ceder la brutal tensión psicológica de sus suspenses. Hitchcock no inventó el suspense pero culminó esta técnica y además el anglicismo suspense (to suspense) se adoptó en otras lenguas gracias a que fue el que lo hizo universal.

Dotado de un estilo brillante y efectista, Hitchcock demostró  su prodigiosa habilidade en el Hombre que sabía demasiado (The Man Who Know Too Much, 1934), 39 escalóns (Thirty-nine steps, 1935), The Lady Vanishes, 1938…Sazona la aventura con ingredientes psicológicos, sociales y morales.  Su fama y prestigio hizo que ya en los años 40 se embarcara en su etapa americana.

Hitchcock se estableció en Hollywood en 1939 y hasta 1948 rodó diez películas. Explora la relación entre la persona que observa y la observada, el poder erótico de los objetos y los engaños del mundo visible: Rebecca (1940), Sospecha (1941) La sombra de una duda (1943) y Recuerda (1945). En todas ellas los objetos cotidianos se convierten en inquietantes.

El CINE DURANTE LA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL: EL GENIO DE WELLES

La catástrofe de la Segunda Guerra Mundial abrió un paréntesis en la evolución económica y cultural de las naciones. Con el ataque de Pearl Harbor en diciembre de 1941, la mayor potencia industrial del planeta puso su economía al servicio de la guerra incluido el cine. Los gánsteres se transformaron en heroicos soldados. En junio de 1942 el teniente comandante John Ford fue herido en el Pacífico , cámara en mano, durante un ataque japonés , mientras rodaba el documental The Battle of Midway. Como Ford, muchos de los grandes talentos del cine se involucraron en el esferzo de la contienda . Se realizarons films  de propaganda tanto en Estados Unidos como en Reino Unido, donde destaca el debur de David lean en 1942 con Sangre , Sudor y Lágrimas  (In Which We Serve).

En Estados Unidos las películas se dirigían a criticar duramente a las potencias del eje : Hangmen Also Die (Los verdugos también mueres, 1943,, Thyrty seconds over Tokyo o las película de Capra , Why We Fight

Pero poco antes del estallido de la guerra un joven de Wisconsin, llamado George Orson Welles, brillante actor y director teatral, conseguía a sus 25 años provocar el pánico en un país con una emisión radiofónica: La guerra de los mundos , de H.G.Wells, en 1938. Al día siguiente Welles era famoso. La RKO  le ofreció un contrato sin precedentes en la industria cinematográfica, como director, actor, guionista y productor y cobrando un 25% de lo recaudado.

Sin previa experiencia cinematográfica en 1940 dirige su primera película Ciudadano  Kane (Citizen Kane) que lo convirtió en uno de los mayores creadores de la historia del cine. Welles tomó para su protagonista la figura del multimillonario y magnate William Randolph Hearst, llamado en el film Charles Foster Kane, interpretado por el propio Welles. Hearst trató de impedir la proyección pero no lo consiguió. El film solo fue valorado justamente después de la guerra en Europa.

Por su complejidad técnica y narrativa, Citizen Kane parece hoy la Intolerancia del sonoro. En su fabulosa mansión de Xanadú fallece el multimillonario Kane pronunciando una misteriosa palabra: Rosebud. El periodista Thompson comienza a averiguar lo que puede significar y ahonda en la historia de Kane, interrogando a amigos. Va construyendo así un retrato apasionante del magnate hasta llegar a abandonar la mansión sin averiguar el significado de la palabra. Es entonces cuando vemos  a un empleado echando al  fuego trastos viejos y la cámara enseña un trineo con la inscripción Rosebub, símbolo de una infancia perdida y feliz.  La historia está contada en una narración acronológica, en aparente desorden. Es un excelente análisis histórico y psicológico de la formación de un poderoso plutócrata de la sociedad capitalista. También es un inteligentísimo estudio sobre el subjetivismo humano.

El lenguaje utilizado es original y barroco, de gran potencia expresiva. Trabaja con la profundidad de campo, consiguiendo puestas en escena de exagerada profundidad. Utiliza ángulos de cámara insólitos y enfáticos. También se vale de otros recursos como los flash-backs, montaje corto, encadenado sonoro o movimientos de grúa. El resultado es un estilo vibrante y efectista.

Ciudadano Kane fue un fracaso comercial.  El cuarto mandamiento fue su siguiente película.  También otro fracaso económico. El talento de Welles parecía no tener cabida en Hollywood y marcha de América comenzando a dirigir su ciclo shakesperiano. : Macbeth y Othello, hasta que en 1966 filma en España Campanadas a medianoche.

LOS GRANDES ÉXITOS COMERCIALES DE 1939

Los años 30 fueron la edad de oro para el cine de entretenimiento. En 1939 se  estrenaron varias películas de enorme éxito. Ya hemos hablado de dos de ellas, Ninotchka   y La diligencia. En el mismo año se estrena una de las primeras   películas  en color, The Wizard of Oz de Victor Fleming , musical basado   en un cuento del siglo XVII , cuenta la historia de Dorothy/Judy Garland , que va en busca de un mundo de aparente felicidad, Oz. A pesar de la apariencia, Dorothy encuentra  numerosos problemas y llega a la conclusión de que ningún lugar es tan bueno como el hogar. La película cuestiona de hecho muy velado los valores tradicionales.

Lo que el viento se llevó (Gone with the wind) 1939, basada en la novela homónima de Margaret Mitchell, fue la película más taquillera hasta El exorcista (1973). Narra la historia de Scarlett O´Hara, ambiciosa mujer que lo pierde todo durante la guerra de Secesión. Escarlata es implacablemente castigada por se egoísmo. La película contiene una crítica al absurdo de la guerra. Su estética es donde probablemente radicara su éxito. Aunque dirigida por Victor Fleming  los aspectos formales estuvieron a cargo de su productor, David O. Selznick. Una de las escenas más célebres es en la que contemplamos Tara, la mansión de Scarlett, un espectacular anochecer que simboliza el fin de una era y en el que aparece Scarlett en primer término contemplando sus dominios.