Es la principal
novedad del cine sonoro. En 1932 el mismo Mamoulian dirigió Love me Tonight, con números musicales
grabados antes del rodaje, lo que producía mayor gracia visual en esta
chispeante comedia influida por Lubischt.
Coreografías y
números musicales intercalados cada 5 o 6 minutos eran la base de un cine
repetitivo y poco original. Merece mención aparte el virtuoso claqué de Fred
Astaire y Ginger Rogers entre 1933 y 1939 pero habrá queesperar a después de la
guerra para la renovación del género con Vicente Minnelli y Stanley Donen.
Night and Day, 1934 con Fred Astaire y Ginger Rogers
Los primeros años
veinte fueron los de la creación del Star System y del artificial mundo
hollywoodiense, que vieron como surgían estrellas como Douglas Fairbanks, el
flamante actor protagonista de El ladrón de Bagdad, dirigida por Raoul Walsh en
1929, la culminación del cine de fastuosos decorados,el cine de comedias
románticas que parecía huir de la cotidianidady del realismo. El más astuto de los hombres de esta época fue el productor
y director Cecil B. De Mille que dirigió en 1923 la superproducción Los Diez
Mandamientos .
En 1927 se estrenó El cantor de Jazz, primera
película sonora.
El cine sonoro
surgió pues coincidiendo con la crisis del 29. Este desastre generó en los ciudadanos
la necesidad de evasión y diversión. Pero a este éxito del cine contribuyó también
la creación del sonoro. Como consecuencia del éxito obtenido, las salas de USA
comenzaron a instalar equipos de sonido detrás das cámaras en una época en que lo
habitual era ir al cine hasta 4 o 5 veces por semana.
Al comienzo del
sonoro hubo multitud de problemas técnicos para eliminar los ruidos del
ambiente que distorsionaban el rodaje. Los escenarios se llenaron de
micrófonos, altavoces y cables coartando la libertad creativa.
Robert
Mamoulian, uno de los rusos afincados en Hollywood, descubrió en 1929 que podía
superponer dos voces. Conceptos como el paisaje sonoro, sonidos amenazadores o
de ambiente comienzan a aparecer.
En estos años 20
la industria cinematográfica se
convirtió en la tercera industria del país y en 1931 los nueve estudios creados
durante esos años sentaron las bases de una oligarquía que controlaba toda la
industria del cine. Hollywood se
convirtió en la Meca del cine.
Pero en estas mismas
fechas se consolidan los géneros cinematográficos : películas de gángsters, los
westerns, las comedias, el cine de terror, el cine bélico, los films de
animación, los melodramas…Los cuatro primeros son genuinamente americanos. Las
nueve productoras producían ocho tipos de películas que fueron la base del
entretenimiento hasta los años 50.
A la vieja Rusia
de los zares llegó el cinematógrafo Lumière ya en 1896 para rodar la coronación
de Nicolás II y después se presentó en el Palacio de Peterhoff en San
Petersburgo en una fiesta presidida por la emperatriz.
En 1917 estalló la
Revolución bolchevique y comenzó la primera experiencia socialista de la historia.
El cine no fue ajeno a estas circunstancias. Lenin pensaba que “ De todas las
artes , el cine es para nosotros la más importante” lógicamente, teniendo en cuenta que en Rusia
más del 70% de la población mayor de 9 anos era analfabeta. Por el decreto de nacionalización de la
industria cinematográfica, ésta pasó a depender del comisariado de Educación
del Pueblo en 1919 y en ese año se
creaba en Moscú la Escuela Cinematográfica del Estado. El gobierno bolchevique
fue el primero del mundo en reconocer la importancia del cine en la era de la
cultura de masas.
A pesar de la
escasez de medios materiales el cine echó a andar gracias a creadores como
Kuleshov o Dziga Vértov. Vértov fue
uno de los grandes del cine soviético, fundó el noticiario Kino-Pravda
(Cine-verdad) donde aplicó sus teorías
del Cine-ojo, en el que pretendía la objetividad absoluta , prescindiendo
de todo aquello que modificara la realidad: maquillaje, decorados, actores,
iluminación…
La influencia de
Vértov en la teoría y en la práctica del cine documental fue enorme.
Pero el más
grande director de cine soviético fue Serguéi
Mijailovich Eisenstein. Estudió en la Escuela de Ingeniería Civil de San
Petersburgo y frecuentó la Escuela de Bellas Artes. Admirador de Da Vinci pero
también de Freud y el psicoanálisis, durante la Revolución se decantó por el
bando bolchevique. Comenzó con el teatro que terminó abandonando atraído por el
realismo del cine y por la influencia de Griffith y Dziga Vértov.
La obra de
Eisenstein es un compromiso y una síntesis entre el realismo documental y el
simbolismo y expresionismo más barroco.
5-
En 1924 dirigió su
primera película , La huelga, sobre
una huelga de una fábrica metalúrgica aplastada implacablemente por los
soldados zaristas. En 1925 dirigió su gran obra, El acorazado Potemkin. En ella cuenta la sublevación de la
marinería del acorazado Príncipe Potemkim en la revolución de 1905. Rodó en
escenarios naturales esta impresionante obra, estructurada a la manera de las tragedias
clásicas en cinco actos:
1-El mal estado de la carne, podrida,
que provoca el descontento de la tripulación.
2-Las represalias del comandante que son
el detonante de la rebelión, que triunfa.
3-Un marinero muerto en la lucha es llevado
hasta el puerto de Odessa donde nace la solidaridad de los ciudadanos de Odessa.
4-Las fuerzas zaristas cargan sobre la
población civil en las escaleras del Palacio de Invierno, causando una masacre.
5-El barco se hace a la mar y encuentra la
escuadra zarista pero los marineros de otros buques se unen a ellos y permiten
que pasen, sin ejercer oposición y saludando con alegría.
La ejemplar
sobriedad y simplicidad de esta gran odisea colectiva, encarnada en el pueblo,
en claro contraste a la fría actuación de las tropas del zar, se articuló en
1.290 planos, combinados con genialidad mediante un montaje rítmico y muy preciso. Los movimientos de cámara, en
cambio, son muy escasos: dos travellings en la escena de las escaleras y una panorámica oblicua para
enfocar a la multitud en el malecón. No se necesitaban más movimientos ya que
el movimiento viene determinado por la acción y el montaje. Eisenstein prolongó
el tiempo artificialmente, hasta seis minutos, para potenciar la angustia y el
dramatismo en la antológica escena de las escaleras. Esta escena es una de las
más famosas y reconocidas de la historia del cine. Son 170 planos en los que
retrata a un pueblo inocente e indefenso frente a la brutalidad de las tropas
zaristas que con los fusiles cargan contra los ciudadanos. Los primeros y primerísmos
planos humanizan la escena.
Eisenstein
consiguió darle a este drama épico una grandeza que hace que no se ciña a un
episodio histórico en concreto si no que sea un manifiesto contra la injusticia
y la barbarie. Es una obra maestra de la historia do cine.
Después del éxito
alcanzado con El Acorazado Potemkin realizó Octubre, 1927, sobre la revolución bolchevique.
Pero la censura posterior eliminó casi un tercio del metraje en el que aparecía
Trotsky. A pesar de esto, es una obra barroca, con mucha fuerza y cargada de
simbolismos.
Todas estas
películas son corales, donde las individualidades no tienen cabida.
Pudovkin fue otro
de los grandes realizadores soviéticos, aunque su idea de montaje tiene más que
ver con Griffith o Hitchcock, es decir, trabaja el montaje previamente en el
guion. Einsenstein lo hacía para expresar, uniendo imágenes, sentimientos o
ideas diferentes a los de las imágenes aisladas.
La vitalidad
expresiva del cine soviético introdujo una auténtica revolución expresiva en la
teoría y en la práctica cinematográfica mundial por el realismo y por las
posibilidades creativas del montaje.
La escena de las
escaleras de Odessa fue recreada y homenajeada en Los intocables de Elliot Nes ,
1987 ,de Brian de Palma.
Pero en Alemania
no iban a ser los realizadores de comedias los que llevaran el cine a uno de
sus momentos históricos más interesantes si no los cineastas Expresionistas de
vanguardia. Alemania apenas había salido de una gran derrota y vivía
estrangulada por las duras condiciones de los tratados de paz. En 1918 las
fronteras se cerraron al cine extranjero lo que permitió estimular el nacional.
la enorme inflación hizo que todas las películas alemanas fueran muy baratas
para las productoras extranjeras. Además, y a pesar de la crisis, contaron con
el apoyo del gobierno de la República de Weimar.
En este contexto es en el que se
realizó uno de los hitos más importantes del cine universal El
gabinete del Dr. Caligari, Alemania, 1919 de Robert Wiene. Wiene, con su equipo y al contrario de la
artificial luz de estudios americanos, decidió inundar el escenario de luz
natural y después pintar las sombras. El efecto resultante es sorprendente, con
una luz natural estilizada.
El argumento es
el siguiente: un estudiante, Francis, conoce a Cesare, un sonámbulo que actúa
en una feria y que por la noche asesina a los enemigos de su amo, el demoníaco Dr. Caligari,
abducido por éste. Mata también a un amigo de Francis y mientras trata de abducir a una chica,
Cesare muere y Francis ingresa en un sanatorio mental donde el director es el
Dr. Caligari. Al final la película entera es uma pesadilla de Francis ,
tratando así sobre el tema de la locura. El
film fue de muy bajo presupuesto. Pero refleja el estado mental
desquiciado del protagonista.
El gabinete del
Dr Caligari tuvo un enorme éxito y contribuyó a que se levantara el veto al
cine alemán. El trabajo de Wiene influyó en Fritz Lang, Murnau y también fuera
de Alemania en Hitchcock. Caligari fue junto con Charlot , el primer mito
universal creado por el cine.
El expresionismo
alemán demostró su preferencia por los temas de fantasía y el terr, asesinos,
vampiros, monstruos, locos , visionarios, tiranos y espectros.
Fue en Alemania donde
también, Fritz Lang creó otro personaje estilo Dr. Caligari, el Dr.
Mabuse, que se estrenó en 1921 y el protagonista también abduce a personas
para que cometan crímenes y también acaba perdiendo la razón. Fue una crítica a
la Alemania carente de moral y justicia de los años 20. Los sentimientos
primitivos subyacen bajo una decadente
apariencia.
Metrópolis, (Alemania 1927) de Fritz Lang se
convirtió en la película más emblemática
del cine mudo. Ambientada en el año 2000
trata del enfrentamiento entre obreros, esclavos que habitan en parajes
subterráneos, y un autoritario industrial, perteneciente a la raza de los
señores que goza de una vida en la superficie. La ira de los trabajadores se ve
sacudida por una misteriosa joven llamada María. Lang jugó con los tremendos
escenarios de esta costosa superproducción, con espacios arquitectónicos , volúmenes,
claroscuros hasta conseguir que
Metrópolis, a pesar de la ingenuidad del argumento, se convirtiera en el apogeo del Expresionismo alemán.
El último autor
alemán del que vamos a hablar es Wilhem Murnau quien tras estudiar Historia del
arte, música y literatura sorprendió dirigiendo un onírico film de vampiros, Nosferatu,
el vampiro, 1922. Fue piloto en la guerra; después de la guerra fundó una productora y
comenzó a dirigir con una fina sensibilidad
cargada de subjetividad lírica.
Nosferatu es una
adaptación del Drácula de Bram Stoker. En contraste con los interiores del
resto del Expresionismo, rodó en exteriores con una marcada influencia del
Romanticismo alemán. Realismo y fantasía bien mezclados le confieren un extraordinario
verismo a la historia.
En 1927 ya asentado
en Hollywood, Murnau dirigió una de las grandes obras del cine , Sunrise, 1927. En USA le dieron total libertad
para rodar. La historia versa sobre un triángulo amoroso, con personajes
maniqueos y final feliz, estilo Hollywood
pero la mezcla de simbolismo, expresionismo y realismo está tratada con
enorme maestría y tiene alguna escena antológica.
El cine francés
estuvo influído por la pintura Impresionista de Monet o Pissarro y por las
obras de Baudelaire. Estos años ya son los
de la estética cubista en pintura, del Dada y en literatura de Marcel Proust y
del Ulises de Joyce (1922). El psicoanálisis penetra em el arte. Directores como Abel Gance intentaron
plasmar la complejidad de la percepción del mundo real.
Fue el nacimiento de las vanguardias en la Historia del Cine.
La rueda, 1923, de Abel Gance, trata sobre un complejo
triángulo amoroso y en la que alguna
escena es tratada de manera impresionista, pasando los fotogramas com una
vertiginosa rapidez , en décimas de segundo.
Llegó a ser una de las películas más influyentes del cine mudo.
Gance dirigió una película sobre Napoleón: Napoleón, de 1927 en la
que plasmó en escenas de batallas y las cargas de las tropas el dinamismo del
personaje, utilizando encuadres subjetivos . También muy novedosa fue la utilización
de 3 cámaras para proyectar y poder tener
una visión panorámica de lo que ocurría. Apocalypse Now tiene una clara
influencia de Gance.
En Suecia el nacimiento
de la producción cinematográfica está relacionado con la creación de la productora
Svenska. El potencial poético del
primitivo cine sueco está relacionado con su tradición literaria ya que casi
todas las obras importantes están inspiradas en novelas. Pero los suecos, también influidos por el
western primitivo, descubrieron la importancia psicológica del paisaje, un
personaje más de la acción. Las películas utilizan luces naturales y espacios
exteriores y tratan de leyendas o dramas personales pero donde las fuerzas de la
naturaleza exteriorizan ese drama.
Sjöstrom fue el gran maestro del cine sueco. Con La Carrera Fantasma, 1921
el director interpreta al protagonista, un borracho que no cree en la leyenda
de que el carro con la Muerte vendrá a buscar su alma al cementerio. Sjöstrom
utiliza la sobreimpresión y así vemos como el alma sale del cuerpo del ya
difunto, y después realiza una serie de flashbacks de gran virtuosismo técnico.
La culpa y la redención son las ideas fundamentales de su obra.
Mauritz Stiller,
discípulo de Sjöstrom, fue otro gran director sueco de la época y el que
descubrió a Greta Garbo.
Durante la segunda
década del siglo XX destacó en el cine danés Carl Theodor Dreyer, del que ya habíamos hablado en el tema 1. En
la década de los años 20 emigró a París, que junto con Berlín se convirtieron en
las Mecas de las Vanguardias. Allí decidió dirigir un film histórico, una
biografía sobre Juana de Arco titulada La pasión de Juana de Arco, de
1927-28. Es un austero drama psicológico, estructurado con escrupuloso respeto
a los estudios históricos. Una excelente fotografía permitió prescindir del
maquillaje de la actriz Marie Falconetti que incluso cortó el cabello. El realismo
el muy acentuado, los decorados simples y el uso de los primeros planos permite
ganar intensidad emocional. El uso magistral de los primeros planos hizo de
ella una película de conmovedora belleza plástica y convirtieron a Dreyer en uno
de los místicos del cine.
