LA EDAD DE LA INOCENCIA

La edad de la inocencia, 1993. Martin Scorsese. No voy a decir nada nuevo sobre la pasión contenida, los prejuicios sociales de antes y de ahora que Scorsese destripa . Sí quiero recordar las maravillosas interpretaciones de la siempre deliciosa Michele Pffeifer y de incomparable Daniel Day-Lewis. El film, aunque desigual, sorprende por el inteligente uso de la voz en off y por algunas escenas cargadas de electricidad entre los protagonistas.

ESTADOS UNIDOS EN LOS AÑOS 60

Estados Unidos también verá caer el número de espectadores. Al mismo tiempo esta época está jalonada de grandes éxitos comerciales como Ben- Hur (1959), 101 Dálmatas (1961), Mary Poppins (1964), Sonrisas y Lágrimas (1965), películas en la línea de épocas precedentes.

Al mismo tiempo se introducen avances técnicos: cámaras más ligeras que permitieron ampliar el alcance de las tomas, rodar cámara al hombro y mejoras en la calidad del sonido.

John Cassavetes rueda en 1959 Shadows, donde introduce sonido natural, escenas improvisadas y todo rodado con una pequeña cámara.

El siguiente gran innovador de estos años es un viejo conocido: Alfred Hitchcock. En Psycho/Psicosis(1960) renueva su ya de por sí, rica trayectoria cinematográfica. Deja las películas en color para volver al blanco y negro en un film que tiene como protagonista a un asesino en serie en un espacio con reminiscencias góticas. En 1955 había rodado y presentado unas historias para la televisión y para Psicosis apuesta por rodar de una manera similar. Abandona el estilo grandilocuente de las grandes producciones de esos años, como Ben-Hury prescinde de todo glamour, viste a su protagonista, Janet Leigh, con ropa corriente, sin apenas maquillaje y reduce el guion al mínimo, dejando escenas sin palabras. 

El comportamiento sexual de la protagonista al principio de la película es mucho más explícito que en cualquier otra del autor, demostrando como Hitchcock se adapta mejor que nadie a los nuevos tiempos. Además, Alfred Hitchcock se adapta al gusto del público incluyendo unos contenidos más violentos. Después de robar el dinero de un cliente de su oficina, Crane (Janet Leigh) se detiene en su huida en un motel aislado, donde la atiende un recepcionista que no aparenta ser lo que realmente es. Cuando no ha transcurrido aún mucha película, ella es brutalmente asesinada en la ducha, supuestamente a manos de la madre del joven. Algo insólito que la protagonista muera tan pronto. La secuencia de la ducha, de apenas 45 segundos, con la tensa música, es de las escenas más impactantes de la historia del cine. Hitchcock utiliza un montaje de fragmentos entrecortados, al estilo Einsenstein, con 70 ángulos diferentes donde los planos se suceden rápidamente. La película causó terror en los espectadores y fue un rotundo éxito de taquilla. Directores como Claude Chabrol o Brian De Palma deben mucho a las técnicas de Hitchcock.

 A principios de los 60 surgió una figura emblemática del arte en la ciudad de Nueva York: Andy Warhol, también director de cine que supo llevar al mundo del arte la cultura de los medios de comunicación de masas y se convirtió en el principal artífice del Pop Art. 

Otro viejo conocido, Billy Wilder, filma una de sus mejores obras: El Apartamento, en 1961. Es un drama no exento de sentido del humor, protagonizado por uno de sus actores favoritos, Jack Lemmon, que da vida a un vendedor de seguros solitario que consigue ascender prestando su apartamento a sus jefes para relaciones extraconyugales. Wilder critica la hipocresía y doble moral el americano medio y hace un excelente y entrañable retrato de dos perdedores. Es el desengaño del sueño americano.

En los años 60 en Estados Unidos había unos 1500 cursos sobre cine.

En este contexto, surge la productora American International Pictures especializada en películas de adolescentes, de terror y de ciencia ficción de bajo presupuesto. Esta productora descubrió nuevos talentos como Francis Ford Coppola, Martin Scorsese, Dennis Hopper, Brian De Palma, Robert De Niro, Jack Nicholson, Jonathan Demme y Peter Bodganovich entre otros.

El cine se apropió de las técnicas de Warhol, como hizo Dennis Hopperen Easy rider(1969), la película más emblemática de finales de los 60. Los protagonistas, dos motoristas, aparecen esnifando coca muchos años antes de la popularización de esta droga. Hopper utiliza todo tipo de técnicas modernas. Pero lo que realmente llamó al público es que la película hablaba de finales trágicos en una época de asesinatos mediáticos y violentos o de muertes por sobredosis.

Blake Edwards es uno de los nuevos directores estadounidenses, conocido por sus hilarantes comedias como las de La pantera rosa, interpretadas por el imprevisible Peter Seellers, El guateque. En 1961 dirige a Adrey Hepburn en una adaptación de la obra de Truman Capote Desayuno con diamantes /Breakfast at Tiffany´s

En 1967 El graduado de Mike Nichols también relata la historia de un joven y brillante estudiante que se encuentra desorientado en una sociedad en transformación. La película, con un final abierto, recaudó diez veces su presupuesto e indicó por dónde iban los gustos del público.

También en 1967 Arthur Penn dirige Bonnie and Clyde en la que se cuenta la historia de una pareja sentimental metidos a ladrones que mueren trágicamente. El film mezcla la nostalgia con la violencia.

El film más sorprendente y trascendental de aquella época fue una película de ciencia ficción dirigida por Stanley Kubrick: 2001: A Space Odyssey/  2001, Una odisea en el espacio. Hasta la fecha Kubrick había dirigido Atraco Perfecto (1956), Paths of Glory/Senderos de Gloria (1957), Espartaco (1961), un film histórico bastante atípico en su filmografía, Lolita,una adaptación literaria del libro homónimo de Nabokov y una ácida sátira sobre la guerra fría Dr Strangelove or How I learned to Stop Worrying and Love the Bomb/ Teléfono Rojo, ¿volamos hacia Moscú?(1964)

2001, Una odisea en el espacio resulta muy innovadora. Tras la escena inicial en la que unos primates aparecen luchando, la película salta al 2001 en un audaz montaje. Un simio lanza un hueso hacia lo alto, que gira a cámara lenta y de repente un corte sin sonido nos muestra una nave espacial que gira de manera similar. La película es abstracta, no pretende contar una historia, pretende transmitir sensaciones sobre espacios y formas, colores y sonidos y sobre todo, sobre el tiempo.

Los años 60 reflejan un mundo cambiante a través del cine, una nueva generación que cuestiona las creencias religiosas, materiales y morales de sus padres.

LA NOUVELLE VAGUE FRANCESA

El director Jean-Luc Godard se convirtió en el gran innovador de estos años. Junto a su cámara, Raoul Coutard, incorpora imágenes y secuencias rodadas sin iluminación artificial. Su revolucionario film, Al final de la escapada, con argumento que trata sobre un ladrón de coches, cuya novia americana mata a un policía. La película estaba influenciada por Rebelde sin causade Nicholas Ray. En la película, Godard incorpora saltos de cámara, es decir, fragmenta en varias tomas lo que se podía haber hecho en una sola, pero toma un plano de un hombre mirando hacia un lado, corta, otro plano con el hombre mirando hacia otro lado y así hasta nueve cortes. Normalmente este recurso no se utilizaba por creer que rompía el ritmo aunque pretendiera utilizarse como un recurso expresivo para simbolizar la confusión del personaje. Pero Godard lo hace para recrearse en la belleza en sí misma del plano.

La mayor parte de lo que suele llamarse Nouvelle Vague trata de la mirada de los hombres sobre las mujeres. Grababan en calles, la vida cotidiana, mujeres de su misma edad, sin maquillaje y con luz natural.

Para Godard y otros directores como Truffeaut, un plano no es esclavo de la acción. Un plano equivale a un pensamiento del director.  Su influencia fue tan grande que en 1959 debutaron 18 nuevos directores y en 1962, 160. La primera película de François Truffeaut fue Los cuatrocientos golpes.

Los Cuatrocientos golpes

 Truffeaut había sido crítico y escribía en Cahiers du Cinema. Pronto se pasó a la dirección. Su cine es de una frescura admirable. En este film cuenta la historia de un muchacho que se escapa de un centro de menores, se enamora del cine y huye. Está basada en elementos de su propia vida. Utiliza luz natural y como escenario, las calles de París. Le interesaban los aspectos más efímeros de la vida humana, transmite alegría de vivir. Esta película tuvo un gran éxito internacional y animó a otros jóvenes directores franceses.

La cinematografía francesa fue la más interesante de principios de los años 60. Sin embargo, este auge del cine francés no tuvo su correspondencia en la taquilla, donde experimentó una fuerte caída en el número de espectadores.

EL CINE DE LOS AÑOS 60: INTRODUCCIÓN

Los 60 fueron una década de consumismo, de alienación juvenil, de sexualización de  la cultura, de las protestas de estudiantes contra gobiernos policiales, década de la guerra y el conformismo.

Cuando los estudiantes universitarios centraron su atención en las desastrosas consecuencias de la guerra de Vietnam, sus esperanzas se dirigieron a las posibilidades que les ofrecía el comunismo. Mientras tanto en la Unión Soviética, Brezhnev imponía la línea dura del partido. China vivía la Revolución cultural de Mao. En Checoslovaquia en 1968, tuvo lugar la Primavera de Praga, paréntesis en el férreo control del Estado comunista, que se va a traducir en un momento de intensa creatividad cinematográfica.

En los Estados Unidos cobra importancia la cuestión de la igualdad racial. Son los años de Martin Luther King y los movimientos por los derechos civiles de los afroamericanos estadounidenses.

Numerosos movimientos cinematográficos a lo largo del mundo hacen que se pueda hablar de la Nueva Ola: en Europa Occidental y Estados Unidos los directores se concentraron en desafiar las normas estilísticas vigentes. No hubo ninguna otra década en la historia del cine en la que se hayan rechazado con tanta fuerza los principios del cine clásico.

El público también había cambiado mucho en esa década. La gente mayor iba mucho menos al cine, atraídos por la competencia de la televisión.

Las secuencias filmadas en exteriores, cambiaron radicalmente la estética del cine. Durante las décadas anteriores lo habitual eran los rodajes en estudio. Ahora, una serie de nuevos inventos en lentes, películas e iluminación, permitieron aligerar equipos de rodaje e ir incorporando rodajes con iluminación natural, en exteriores, con actores sin apenas maquillaje, dándole una mayor movilidad al cine.

ALFRED HITCHCOCK ENTRE 1945-1952

Sospecha

Coincidiendo con el comienzo de la guerra, Alfred Hitchcock se establece en los Estados Unidos. Mostró un enorme interés por mostrar la relación entre la persona que observa y la que es observada, en el poder erótico de los objetos y en los engaños del mundo visible. Dirige magníficos films como Rebecca,1940, Sospecha /Suspicion( 1941), La sombra de una duda /The Shadow of a Doubt, 1943), Recuerda  /Spellbound( 1945). En todas ellas los objetos cotidianos se convierten en elementos inquietantes.  

Recuerda

Con el mismo interés de penetración psicológica que antes de la guerra ,comenzó también a explorar los límites del lenguaje cinematográfico en La soga /Rope( 1948): alarga la duración de los planos hasta lo técnicamente posible, es decir, hasta que se terminaba el rollo de película. Es una película rodada en 11 planos cuando lo normal en aquella época eran 600 a 800. Hitchcock descubrió que los planos largos absorben al espectador y acentúan el efecto de suspense que tanto le gustaba, contribuyendo a crear más tensión.

De Cine negro pueden considerarse, además de La soga, obras suyas como Atormentada/Under Capricorn(1949) o Extraños en un  tren(1951).

Más tarde , en los 50 , volveremos encontrar al gran maestro  británico.

EL CINE NEGRO

Entre 1941 y 1959 se rodaron más de 350 películas de este género, lo que supone un punto de inflexión en la Historia del Cine. El recurso de la profundidad de campo va a ser utilizado por este género.

El pesimismo de la sociedad americana contribuyó al surgimiento y auge del cine negro junto con el aumento de la criminalidad y de la corrupción tanto pública como privada. Además, fue el género de moda en la literatura, popularizado por escritores como Raymond Chandler o Dashiel Hammet. 

Al estar reprimido el cine más crítico, los realizadores americanos más conscientes se refugiaron en este cine, que retrata una sociedad pesimista, llena de personajes sórdidos, cegados por la ambición, que traspasan los límites morales. Son delincuentes influidos por las circunstancias, que actúan así, no por ser  seres llenos de maldad si no porque se ven abocados a ello. Vemos seres humanizados y de gran ambigüedad moral. Los hombres aparecen muchas veces como seres débiles y torturados y las mujeres   son las que manipulan y los llevan camino a la perdición.

Estas películas saquearon los recursos cinematográficos de Welles, desde los ángulos de cámara insólitos, la iluminación, el flash back y por supuesto la profundidad de campo.

La primera película del género fue El halcón Maltés de John Huston,1941 interpretada por Humphrey Bogart , que se convierte en el actor por excelencia de este género, en el bad-good-boy, que repite en Cayo Largo, también dirigida por Huston en 1948.

La película de más éxito del cine negro fue Gilda,dirigida por Charles Vidor en 1946, éxito radicado en gran parte en la sensualidad de su protagonista, Rita Hayworth.

Una de las películas más influyentes, junto a El sueño eterno, de Howard Hawks, fue Perdición, de Billy Wilder, que denota influencia del cine de gángsters. Aquí colaboró con el novelista Raymond Chandler. Retrata a un antaño trabajador honrado en su caída al abismo, con cierto tono irónico, siempre presente en Billy Wilder. Sus películas de cine negro, como prácticamente todas las del género, denotan una importante influencia del Expresionismo alemán, sobre todo en la iluminación pero también en la construcción de personajes trastornados, con importancia del mundo subconsciente o de las pesadillas

El personaje más famoso de la novela negra, el detective Marlowe, fue llevado a la gran pantalla por Howard Hawks e interpretado por Bogart en 1946 en El sueño eterno.

Hubo innumerables películas de este género de enorme calidad: La jungla de asfalto, de John Huston, Los sobornados de Fritz Lang, Laura, de Otto Preminger, Gilda ,1946, de Charles Vidor, y las ya mecionadas de Hitchcock que también toca el género adentrándose en las teorías del psicoanálisis.

Orson Welles también hizo una incursión en el cine negro durante la década del los 40, fue  La dama de Shanghai, , 1947, en donde pulveriza el mito erótico de Rita Hayworth.

Hay que añadir también entre lo mejor del género Laura, de Otto Preminger, de 1944

LA GENERACIÓN PERDIDA

Pero aparece una nueva generación de directores noveles llamada la generación perdida: John Huston, Elia Kazan ,Billy Wilder , Joseph Losey, Fred Zinnemann, Edward Dmytryk. Sus películas abordan temas de corrupción pública y privada que en aquellos momentos corroían al país.

Edward Dmytrick, canadiense de origen ucraniano, alcanzó  su mejor éxito con Encrucijada de odios (Crossfire, 1947) donde denunció su odio antisemita latente en Estados Unidos. También abordó el tema de los mutilados de guerra.

El antisemitismo estaba muy arraigado en la sociedad americana , igual que el racismo hacia la población negra. Entre 1945 y 50 hubo 13 linchamientos de negros. El conflicto racial se denunció en No Way Out (1959) de Joseph Mankiewizc.

John Huston, autor teatral, periodista, autor dramático, guionista y realizador de documentales durante la guerra, debuta como director en el Halcón maltés, primera obra del cine negro americano junto con Perdición de Billy Wilder. Al cine negro le dedicaremos capítulo aparte. Huston vuelve a él en Jungla de asfalto, donde retrata a unos personajes humanizados a pesar de su maldad.

En El Tesoro de Sierra Madre gira la idea principal sobre el esfuerzo y el fracaso de los buscadores de oro. En Moulin Rouge, 1953, retrata la desoladora vida de Henri Toulouse-Lautrec .En esta cinta hace un excelente empleo del technicolor, como ya había hecho un año antes en La reina de África, quizás  la única película optimista de Huston, con Humphrey Bogart y Katherine Hepburn.

Su versión de Moby Dick (1956) adquirió la dimensión de un reto a la naturaleza, encarnado en la ballena.

Pero este cine crítico fue decapitado por el  Comité de Actividades Antiamericanas. Porque ni los pleitos de las productoras , ni la televisión, ni la corrupción llegaron a enrarecer tanto el ambiente del cine como la actividad del comité que al cargo do senador McCarthy alentó la histeria colectiva contra los movimientos comunistas que favoreció las delaciones  y afectó a los más prestigiosos intelectuales y a numerosa gente del cine. También fue el clima idóneo para rodar películas de propaganda anticomunista como Telón de acero (1948) de William Wellmann. El Comité fue una auténtica inquisición. Contra esta situación se alzaron muchas voces, entre elals, Thomas Mann, John Huston o William Wyler pero fueron silenciadas y aquellos que se negaron a declarar fueron duramente condenados

Elia Kazan era un inmigrante turco que llegara a los Estados Unidos con apenas cuatro años y vivió toda la crudeza de la crisis del 29. Cuando llega al cine ya era un prestigioso director teatral. Fue fundador del  Actor´s Studio (1947) y su director, junto con Lee Strasberg, escuela dramática de la que salieron prestigiosísimos actores como Marlon Brando, Paul Newman , James Dean, Montgomery Clift, Karl Malden , Shelley Winters… que aplicaban las teorías interpretativas del método Stanislavski.

Marlon Brando fue su primera revelación en Un tranvía llamado deseo   (A Streetcar Named Desire, 1951), basada en una obra teatral de Tenessee Williams en la que  su interpretación llevada al límite y su magnetismo animal lo convirtieron en una estrella. Vuelven a  colaborar en Viva Zapata! 1952, donde Kazan, que acababa de ser depurado por el Comité de Actividades Antiamericanas, expone con maestría formal episodios de la Revolución mexicana añadiendo una reflexión sobre la inutilidad de la revolución. En La ley del Silencio (On the Waterfront, 1954) hace también un alegato contra los sindicatos, tesis con las que intenta justificar su actuación en el Comité , al que delató a ochos compañeros, actitud que pesó sobre  su carrera.

El austríaco Fred Zinnemann hizo una trilogía sobre la guerra y  su balance pero  su mayor éxito fue un western : Sólo ante el peligro (High Noon, 1952). que es la plena madurez del western psicológico nacido con Stagecoach.Cuenta el conflicto moral de un sheriff que se debate entre el cumplimiento del deber y o su instinto de supervivencia, una parábola sobre el macarthismo que mantiene a una sociedad paralizada por el miedo que deja al margen el sentido de la moral. El prestigio de Zinnemann alcanzó el zénit con De aquí a la eternidad ( From Here To Eternity, 1953).

Billy Wilder era un judío austríaco que huyó de los nazis en 1933.Llegó a ser uno de los más aclamados directores y junto con John Huston, el iniciador del cine negro. En 1950 dirigió El crepúsculo de los dioses (Sunset Boulevard) desolador retrato del mundo del cine y de sus  viejas glorias. De hecho recupera a Erich von Stroheim y a Gloria Swanson para el film. En la banda sonora incluye el comentario en off de la voz de un cadáver. En The Big Carnival, 1951, explota sobre los desmanes de   la prensa sensacionalista, a través de la inhumana explotación de un trágico accidente.

Wilder realizó una de las obras maestras del Cine Negro, Perdición, en 1946.

Con este clima no es de extrañar que hubiera un éxodo hacia  Europa como pasó con Chaplin , Orson Welles o Joseph Losey.